„It was a long time for you / It was a long time for me / It’d be a long time for anyone / But it looks like it’s meant to be.“

Was Axl Rose in There Was A Time singt, dem besten Stück der neuen Platte Chinese Democracy, trifft den Nagel auf den Kopf. Immerhin sind seit Guns N‘ Roses‘ letzter Studioproduktion 15 Jahre vergangen.

Das Album, das nun endlich herausgekommen ist, hat mit den Klassikern von einst allerdings so viel gemein wie ein neonbeleuchtetes Multiplexkino mit einem gediegenen Lichtspielhaus. Das große Ganze zerfällt in zahlreiche Einzelschauplätze, deren Lieblosigkeit durch reichlich Glitzer und ein hochgezüchtetes Soundsystem kaschiert werden soll. Hier läuft Guns N‘ Roses? Zumindest steht es draußen angeschlagen.

Dieser Bandname ist ebenso paradox wie der Albumtitel. Schon Ende der Neunziger hatte der Sänger Axl Rose alle Bandmitglieder bis auf den Keyboarder Dizzy Reed vergrault und frei nach dem Motto „weltberühmte Rockband sucht zwei Gitarristen, einen Bassisten und einen Schlagzeuger“ eine wechselhafte Söldnerband zusammengestellt.

Besonders schmerzhaft waren die Abgänge des Liedschreibers Izzy Stradlin und des Sologitarristen Slash. Symptomatisch, dass das Gitarrengenie – Markenzeichen Zylinder – durch einen Künstler mit weit profanerer Kopfbedeckung abgelöst wurde: Buckethead, der stets einen umgedrehten Pappeimer der Fastfoodkette Kentucky Fried Chicken auf dem Kopf trägt, die Band mittlerweile aber auch schon wieder verlassen hat. Slash & Co spielen unter dem Namen Velvet Revolver weiterhin Rock’n’Roll, Guns N‘ Roses jetzt Industrial Rock.

Entsprechend klingt das Album, als ob ständig die Boxen übersteuerten. Unter Tommy Stinsons Bass wummert noch ein tieferer, Schlagzeug und Drumcomputer überlagern sich, Keyboards wabern, Crunch-Gitarren hämmern, dieweil verzerrte Sologitarren den Kontrapunkt zum vervielfältigten Gesang jaulen. Dazu Introduktionen von Orchester und Chor sowie jede Menge Raumklangeffekte – hoffnungslos überproduziert, das Ganze. Ein Blick ins Beiheft der CD verdeutlicht die Ausmaße dieser Materialschlacht: Oft kommen fünf Gitarristen zum Einsatz. In 14 verschiedenen Tonstudios wurden die Regler geschoben. Und, das steht nicht im Booklet, durchschnittlich hat jedes der 14 Stücke eine Million Dollar Produktionskosten verschlungen.

Der Titel Chinese Democracy, bereits 1999 angekündigt, wurde unter Eingeweihten zu einem Synonym für end- und ergebnisloses Gewurschtel. Treffender kann man den Tonspurensalat, der nun herausgekommen ist, nicht beschreiben. Guns N‘ Roses kombinieren Industrial, Hardrock, HipHop, Funk, Grunge, Nu und Heavy Metal, Soul, als wollten sie sämtliche Trends integrieren, die sie seit den grandiosen Zeiten von Use Your Illusion verpasst haben. So zerfallen die meisten Lieder in stilistischer Unschlüssigkeit, wirken wie am Computer zusammengeklebte Stilschnipsel.

Das einzig Gunsnrosige, der rote Faden dieses aufgeblähten Monsteralbums ist die Stimme von Axl Rose. „I am unstoppable“ krakeelt er in Scraped. Auf sein unnachahmliches Krähen verzichtet er jedoch oft zugunsten eines entspannteren Gesangsstils.

Ob das reicht, um diese Schein-statt-Sein-Platte zu retten, darf bezweifelt werden. Das Fazit des Albums singt Rose schon im Titelstück Chinese Democracy: „It don’t really matter / Gonna find out for yourself / No it don’t really matter / Gonna leave this thing to somebody else.“

„Chinese Democracy“ von Guns N‘ Roses ist als CD und Doppel-LP bei Geffen/Universal erschienen.

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„Wenn ich ein Junge wär’… / Da hätt‘ ich nix vermisst / Weil es viel besser ist / Weil ich’s viel geiler find / Dass ich ein Mädchen bin“, singt Chanty von der Mädchenband Fräulein Wunder. Na klar, sonst müsste sie ja auch auf ihre „pinken Schockklamotten“ und die „tollen Brüste“ verzichten. Fräulein Wunder sind vier Schülerinnen aus der hessischen Provinz, Wenn ich ein Junge wär ihr frecher erster Hit. Im Musikvideo treten sie als Jungs verkleidet auf und persiflieren deren mutmaßliche Hauptbeschäftigungen: Prügeln, Trinken, Angeben und Onanieren.

Chanty, Steffy, Pia und Kerstin sind zwischen 17 und 18 Jahren alt und tragen den selben Künstlernachnamen: Wunder. Auf der Hülle ihres Debütalbums hüpfen sie durch ein puppiges Wunderland. Ein passendes Bild, schließlich haben Wunderländer zwei Seiten, Grauen und Hoffen liegen dicht beieinander. Das ist bei ihrem Album nicht anders. Manchmal schaltet man sofort entsetzt weiter, manchmal tanzt man erfreut mit.

Sie singen davon, wie die Queen zu regieren und toller als Dornröschen zu sein, verrückte Dinge zu tun und – natürlich – von der Liebe. Die Stimme der Sängerin changiert zwischen Göre und glockenklarem Gesang, dazwischen kiekst sie und schlägt Purzelbäume. In manchen Liedern – etwa Ich schenk mir die Welt und Jeden Tag – erinnern Fräulein Wunder an die Neonbabies, an Ideal und Nena. Die meisten anderen sind hingegen nur schwer zu ertragen, dann erklingt schmalzige Massenware der Sorte Juli oder Silbermond. Kein Wunder, schließlich hat Simon Triebel von Juli bei der Aufnahme geholfen, ebenso wie Inga Humpe von 2raumwohnung. Produziert wurde das Album von Uwe Fahrenkrog-Petersen, dem ehemaligen Klangtüftler von Nena.

Um die Band vor der Albumveröffentlichung bekannt zu machen gab es beim Sender Viva mehrere Wochen lang kurze Filme über Fräulein Wunder zu sehen. Wer sich alle Folgen ansieht, der zweifelt nicht am Ehrgeiz und am Talent der vier Mädchen, doch ein bisschen an ihrem Verstand. Ihr Gekreische ist künstlich, ihr Geplapper hohl. Alles ist „geil“, „voll krass“ oder „cool“: Die Abendgarderobe, eine auf Chantys Handgelenk tätowierte Schleife, Steffys Probleme mit ihrem Freund, der Auftritt der Band beim Rock am Ring.

Soll man nun verzweifeln und die Mädchen als Plastikprodukt einer großen Plattenfirma verspotten? Nein, denn man kann immerhin hoffen, dass sie künftig weitere dieser rotzfrechen Texte zu ihren schnellen Takten sprudeln lassen. Gleich ob gewollt oder ungewollt, Fräulein Wunder treten als selbstbewusste junge Frauen auf. Sollte das andere Mädchen animieren, selbst eine Band zu gründen, wäre das doch ein Erfolg.

Das Debütalbum von Fräulein Wunder ist als CD bei Vertigo/Universal erschienen.

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Der Virenscanner schlägt stillen Alarm, ein kleines Fenster blinkt mich an. „Im Verzeichnis /Eigene Musik/IndieRock/BlocParty/Intimacy ist das trojanische Pferd TR/snthsnd.98 enthalten. Quarantäne, Ignorieren oder Löschen?“

Dabei sah alles so gut aus. Die englische Band Bloc Party gibt im Jahr 2008 kein einziges Interview, reist um die Welt und stellt im August mal eben ihr neues Album für siebeneinhalb Britische Pfund ins Netz. Erstmal keine CD, keine Platte, kein Vertrieb, nur Daten. So funktioniert die moderne Musikwelt, ist das noch eine Erwähnung wert?

„Sind das noch Bloc Party?“, fragte man sich schon angesichts der Vorabsingle Mercury im Sommer. Da dröhnen die Bläser wie bei James Bond neben elektronischem Hack, das Stück hat keinen richtigen Refrain und ist weit entfernt von den ursprünglichen Klängen der Band. Weniger Rock, mehr Elektronik, das ist nicht ohne Risiko in einem Geschäft, das zum großen Teil von Konzerteinnahmen lebt.

Der Virenscanner wartet auf eine Entscheidung. Kurzes Nachsehen im Netz bestätigt: Der Download ist in Ordnung, die Kategorisierung macht Probleme. Bleibt nur, die heuristische Erkennung auszuschalten und sich selbst ein Bild zu machen. Also, „Ignorieren“ und los:

„I want to declare a war“ brüllt Ares, der Gott des Blutbads. Kurz blitzt die Unsicherheit wieder auf: Wenn doch was kaputt geht? Moment, darum geht es ja, um die Rohheit der Straße, ums Kämpfen. Dizzee Rascal könnte da noch mehr erzählen, aber der rappt woanders. Gegen Ende hält der Sänger Kele Okereke kurz Inne und wundert sich, dass die nasebrechenden Hände mit ihren Berührungen auch Wunder bewirken könnten. Drum heißt das Album wohl Intimacy.

Intimacy? Die Platte ist kein Kuschelrock, soviel ist schnell klar. Brachial und ausproduziert wälzt sich ein Klangmonster aus den Lautsprechern. Bei Biko blickt es über den Fluss Styx – und stellt fest, dass die Welt nicht nett ist zu den kleinen Dingen. Hier singt Okereke, dass man nicht allein sei, dort wünscht er sich zurück in eine gute Zeit. Am Ende ist alles Trugschluss, ein leeres trojanisches Pferd. Kaum hat man sich damit abgefunden, machen die hellen Glocken und der technoid treibende Rhythmus von Signs die Verzweiflung ertragbar. Ist das der Ausweg?

One Month Off klingt, als solle es die langjährigen Anhänger mit dem Album versöhnen, trotz der vielen Computerspielgeräusche. Zephyrus stößt ihnen gleich wieder vor den Kopf, der Gott des Westwindes weht uns zum Ausgangspunkt zurück. Die Melange aus elektronischen Chören, lamentierendem Gesang und angezerrtem elektronischen Schlagzeug ist immerhin so ambitioniert, dass man nicht gleich weiterdrückt.

Und schließlich verteilen Bloc Party dann die Belohnung. Wer bis zu Stück Nummer 9 ausgeharrt hat, bekommt Better Than Heaven, Talons und Ion Square zu hören – da hat die Band ihren Markenzeichenklang ins Jahr 2008 übertragen. Ion Square setzt den Schlusspunkt des Albums, es ist eine treibende Nummer, die mit melancholischer Leichtigkeit und warmen Synthesizer-Arpeggien recht versöhnlich klingt. Kele Okereke richtet ein warmes Schlusswort an die Hörer. Bei all dem Schmerz, der die Band bis hierhin trieb, ist „I carry your heart here with me, I carry it in my heart“, eine der intimsten Zeilen des Albums.

Plötzlich wird klar, dass der Virenscanner zurecht warnte. Jetzt ist es zu spät, das trojanische Pferd ist längst da und wird nicht mehr gehen. Der Titel hatte es ja angekündigt, wer Intimität möchte, der muss ein paar Schranken öffnen. Intimacy kann sich nur annähren, wer ein kleines Risiko eingeht.

Wem der Download zu riskant ist oder zu wenig betastbar, der kann dieser Tage das Album schließlich als klassischen Tonträger erstehen – und bekommt sogar noch zwei Stücke obendrauf.

„Intimacy“ von Bloc Party ist als CD und LP bei Cooperative/Universal erschienen.

Wer Bloc Party im Interview hören möchte, klicke am Freitag, dem 31. 10., um 22 Uhr das Netzradio ByteFM an. Michael Seifert widmet der Band seine zweistündige Sendung „Almost Famous“.
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Travis, das sind die Guten im Britpop, die Bescheidenen, die Ehrlichen, die Band ohne Skandale, ohne Abgründe, die Harmlosen. Die mit der Extraportion Liebe und Gefühl. Der Weg der vier Schotten von der Kunsthochschule in Glasgow in die Hitparade war lang, doch die Mühen sind längst vergessen. Schon seit einigen Jahren ist ein neues Album von Travis immer wieder ein Spektakel – und auch außerhalb ihrer Heimat füllen sie heute große Hallen. „Musik kann ein Stuhl sein, auf den man sich setzt“, sagte der Sänger Francis Healy einmal in einem Interview. Jetzt haben Travis einen neuen Stuhl gezimmert, und zwar einen recht untypischen, wenn nicht gar unbequemen.

Ode To J. Smith heißt das sechste Album, die Stücke darauf ranken sich um das Leben der imaginären Figur J. Smith. Und es beginnt tatsächlich erfrischend: Zum hämmernden Piano erzeugt die E-Gitarre Verzerrtes, das klingt nach Rockmusik. Eine Rockband sind Travis dennoch nicht, sie haben ein Kleid aus Dornen angezogen, im Innern sind sie noch immer weich wie Kuchenteig.

Mit ihren Verkleidungen gehen Travis bisweilen recht weit: Da gibt es esoterische Männerchöre über Gitarren-Riffs, Freunde von Rammstein könnten das mögen. Und es gibt Hardrocksoli, psychedelische Anleihen bei den Doors, sogar ein paar Sprenkel Rockabilly. Kurz wundert man sich, doch schon einige Sekunden später ist es wieder da: Das gute Gefühl, auf einem Stuhl zu sitzen, den man schon lange kennt. Das Problem der Ode an Herrn Schmidt: Ein Stuhl ist wie der andere. Egal in welchem Kostüm, ob rockig oder sanft, eines hat sich bei Travis seit ihrem ersten Album vor zehn Jahren nicht verändert: Die meisten ihrer Lieder sind von erschreckender kompositorischer Schluffigkeit. Man hört sie – und vergisst sie wieder. Sofort.

Oder ist das gerade das Kunststück? Obwohl Travis in ihrer langen Karriere nur wenige Stücke geschrieben haben, die sich ins Gedächtnis einbrannten, waren sie doch immer eingängig. Beim Hören ihrer Stücke schmelzen viele Menschen wie Butter in der Sonne. Das mag an der herbstlich-melancholischen Stimme von Francis Healy liegen. Er verwandelt jedes glatte Popliedchen in ein Rührstück, eine Romanze, eine Schmonzette. Kann man das verurteilen?

Diese Band ist kein Stuhl. Diese Band ist ein Sofa, auf dem man sich ausstrecken, sich einsam fühlen und auch mal ein bisschen weinen kann. Sicher wird man ohne Rückenschmerzen aufwachen. Diese Band ist eine erfolgreiche Koalitionsverhandlung mit sich selbst, ein Rettungspaket für das Gefühlsleben.

„Ode To J. Smith“ von Travis ist als CD und LP bei Vertigo/Universal erschienen.

Travis treten am 22. November in Essen beim Rockpalast-Festival auf.
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Da war doch was, ein paar versteckte Referenzen, eine Ahnung nur, doch sie wirkte Wunder. Lange vor Erscheinen ihres siebten Albums Dig Out Your Soul haben Oasis eine Single lanciert – in einem Remix der Chemical Brothers –, und sofort war das Feuer wieder entzündet, diese latente Sehnsucht nach allem, was die Gottväter des Britpop groß gemacht hat. Den Remix vorm Original zu bringen war eine Art Relevanzdetektor.

Man muss zwar genau hinhören, um Noels Akkorde und Liams Stimme in Falling Down zu erahnen, dann aber funktioniert’s. Wie immer. Und doch anders. Nach dreijähriger Studiopause mögen Oasis zwar wie eh und je ausufernde Klangteppiche unter den Grundton schnöseliger Arroganz weben – trotzdem klingt vieles daran neu. Vielleicht, weil die Gallagher-Brüder eine Auszeit vom Boulevard genommen haben, um einige Schritte zurückzugehen, ihren Wurzeln entgegen und zugleich von ihnen fort: etwas mehr Rock’n’Roll, etwas weniger Pathos, Pop als Spielart, nicht als Wesen.

Ohne Kollegenschelte und John-Lennon-Zitate geht es natürlich auch dieses Mal nicht. Musikalisch jedoch ist Dig Out Your Soul eine Reduktion auf eigene Stärken jenseits der notorischen Gerüchteküche: das Raveartige am Bombastischen, das melodiöse Schlagzeug zu raumfüllendem Klang, den bewährten Mix aus psychedelischer Fläche und prononcierter Gitarre.

Sirenenartig liegt sie schon über dem einleitenden Bag It Up, um die zehn folgenden Stücke bis auf ein, zwei missglückte Schnulzen nicht wieder loszulassen. In die Schranken gewiesen wird sie nur von Liams Genöle über die Macht der Liebe und andere Durchhalteparolen. „Looking back at all the things we’ve done / you gotta keep on keeping on„, singt er, pilzköpfig wie immer, in I’m Outta Time, keine Zeitreise zurück zu den Tagen von Definitely Maybe oder Wonderwall, aber ein Bekenntnis zum Versuch, sich daran zu erinnern. In aller Kürze, versteht sich, kein Lied hat mehr Text als eine Handvoll Zeilen.

Oasis haben zurückgeblickt und sich nach drei lauen Alben endlich zurück nach vorn katapultiert, von den Neunzigern ins neue Jahrtausend, wo sie im Vergleich mit den Epigonen des Britpop von Franz Ferdinand bis Bloc Party noch immer gut dastehen. Wo diese den Mut zur Lücke zuweilen übertreiben, instrumentieren Oasis ihre Dreiviertelstunde kompromisslos durch. Eine Platte wie ein Reinigungsprozess.

„Dig Out Your Soul“ von Oasis ist als CD und Doppel-LP bei Big Brother/Indigo erschienen.

Dieser Text ist dem Musikspezial der ZEIT Nr. 42 entnommen.

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