Melody and Noise, Melodie und Geräusch, das war die Devise der Stunde im alternativen Rockgeschehen vor zwanzig Jahren. Die drei Platten, die das am besten umsetzten, waren Isn’t Anything von My Bloody Valentine, Candy Apple Grey von Hüsker Dü und You’re Living All Over Me von Dinosaur Jr. Verglichen mit diesen Bands erscheint ein Großteil des heutigen Indie-Rock handzahm und lahm.

You’re Living All Over Me war das zweite Album von Dinosaur Jr., sie schufen darauf ihre eigene Mischung aus Punk und Metal. Ergreifende Melodien bahnten sich ihren Weg durch meterdicken Lärmschlamm, es klang, als hätte Neil Young unter dem Einfluss aufputschender Drogen mitgewirkt.

In der Urbesetzung aus J. Mascis, Lou Barlow und Murph legte Dinosaur Jr. kurze Zeit darauf mit Bug ein weiteres Meisterwerk vor. Danach verließ der Bassist Lou Barlow die Band, um sich seinem eigenen Projekt Sebadoh zu widmen. Der Gitarrist und Sänger J. Mascis nahm in den folgenden zehn Jahren – anfangs unterstützt vom treuen Schlagzeuger Murph – vier weitere Alben auf. Die waren voller schöner Melodien und bezaubernden Arrangements, weniger krachig. Auf der Bühne fehlte der Gegenpol zu Mascis’ ausladenden Gitarrensoli. Nicht selten artete das in hemmungsloses Gegniedel aus – ein typisches Verfallssymptom alternder Rocker. Es wurde noch schlimmer, als Mascis Dinosaur Jr. im Jahr 1998 auflöste und zwei Platten unter seinem eigenen Namen veröffentlichte.

Im vergangenen Jahr tourten Dinosaur Jr. erstmals seit 18 Jahren wieder in der Originalbesetzung und gaben ohrenbetäubende Konzerte, die viele Fans ratlos zurückließen. War das jetzt wirklich großartig oder nur ein nostalgischer Reflex?

Jetzt gibt es mit Beyond eine neue Platte. Sie beginnt mit einem Gitarrensolo von J. Mascis, unterlegt mit einem infernalischen Lärmteppich. Lou Barlow ist wieder da und mit ihm dieser verzerrte Bass-Klang, der weniger Rhythmus denn Textur ist – pures Geräusch. Er ist das Gegengewicht, das Mascis quecksilberartige Soloergüsse brauchen. Murph poltert dazu wie eh und je und treibt so die Musik voran. Die Stücke sind fantastisch, J. Mascis ist immer noch ein hervorragender Schreiber. Zwei Stücke stammen von Lou Barlow, sie verhalten sich zu Mascis‘ Stücken wie Mitte der Siebziger die Stücke von Stephen Stills auf Neil Youngs Alben: Sie sind die Ruhepole mit Harmoniegesang inmitten der rastlosen Eigenwilligkeit.

Das Erstaunlichste an dieser Platte ist, dass sie sich den derzeit üblichen Klangidealen komplett verweigert. Hier gibt es nicht die im Studio zu Tode komprimierten Klangblöcke, die heutzutage als Härte gelten. Beyond klingt scheppernd, sumpfig und dreckig, als sei es im Jahr 1987 entstanden.

Mit Nostalgie hat das nichts zu tun.

Sehen Sie hier das Video zu „Been There All The Time“

„Beyond“ von Dinosaur Jr. ist erschienen bei PIAS

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Am besten setzt man sich auf den Boden und rückt die Lautsprecher an sich heran. Einen neben das linke Ohr, einen neben das rechte. Dann lässt man die CD laufen, dreht die Lautstärke weit auf und schließt die Augen. Auf der Innenseite der Lider beginnt ein Film – manchmal gruselig, dann düster, immer intensiv. Man hält die Luft an und lauscht.

Als das Album The John Peel Session von Rechenzentrum im Jahr 2001 erschien, war es außergewöhnlich für das Genre. Es richtete sich nicht an Clubs und Tanzwillige, das Album klang nach den Rändern der Party. Rechenzentrum machten viel aus wenig, auch heute noch ist es eines der besten Minimal-Techno-Alben.

An der Oberfläche sind die Stücke klar, zurückhaltend und geordnet. Wie eine Hand legt sich die Musik auf den Kopf des Hörers und hält ihn ruhig. Regelmäßige Elektrostöße kontern die Ruhe, von Innen her zwirbelt und treibt und drückt es. Das Konzept liege darin, sagt Marc Weiser von Rechenzentrum, „möglichst viele Klänge, die normalerweise nicht einer Funktionalität unterliegen, miteinander zu kombinieren“. Versteht man das, dann versteht man, wie Techno bei Rechenzentrum funktioniert.

Das erste Mal gemeinsam aufgetreten sind Christian Conrad und Marc Weiser bei der documenta X im Jahr 1997. Seitdem reisen sie gemeinsam um die Welt, gerne auch mal als Vorzeige-Deutsche für das Goethe Institut und oft in Kooperation mit anderen Musikern. Ihr erstes Album erschien im Jahr 2000, daraufhin lud der englische Radiomoderator John Peel sie ein, Stücke für seine legendäre Radiosendung aufzunehmen. Nach nur drei Jahren als Band wurden sie in den Musikadel aufgenommen, neben Rockgrößen wie Led Zeppelin, Queen, Nirvana und den White Stripes. In ihrem eigenen Studio spielten die beiden Musiker sieben neue Stücke für die BBC ein, erstmals nahmen sie neben Geräuschschnipseln von ratternden Eisenbahnen, bedrohlich klingenden Kirchenglocken oder hallend tropfenden Wasserhähnen auch Instrumente und Gesang zur Hilfe. Das macht die Stücke rund, sie lassen sich nicht so einfach als Experiment abtun. Manchmal möchte man zwischen den Lautsprechern aufspringen, um die Hüften zu schwingen. Veröffentlicht wurden die für die Session aufgenommenen Stücke mit vier weiteren im folgenden Jahr auf dem Berliner Label Kitty-Yo.

Rechenzentrum sind eher Medienkünstler als eine richtige Band. Zur Musik treten Videoinstallationen und Filmschnipsel von Lillevän. Bei Konzerten ist das ein Gesamterlebnis. Ihre letzte CD Director’s Cut gab es zusammen mit einer DVD, auf der man sich das ganze Album als Film anschauen konnte, auch auf The John Peel Session gibt es Multimedia. Das zu Sehende ist immer abstrakt, es sind keine Musikvideos im klassischen Sinn. Manchmal mutet es an wie ein Ersatz psychoaktiver Substanzen.

The John Peel Session ist eine Platte, die den bebrillten Kunstmagazinleser genauso fesseln kann wie den aufgeputschten Tänzer. Anhänger elektronischer Musik hielten sie damals für eine Offenbarung, viele andere Hörer führte sie an elektronische Musik heran.

„The John Peel Session“ von Rechenzentrum ist im Jahr 2001 bei Kitty-Yo erschienen, im Herbst kommt ein neues Album der Gruppe. „Director’s Cut“ wird dieser Tage wiederveröffentlicht.

Hören Sie hier „Ahab“

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(21) Sonic Youth: „Goo“ (1990)
(20) Flanger: „Spirituals“ (2005)
(19) DAF: „Alles ist gut“ (1981)
(18) Gorilla Biscuits: „Start Today“ (1989)
(17) ABC: „The Lexicon Of Love“ (1982)
(16) Funny van Dannen: „Uruguay“ (1999)
(15) The Cure: „The Head On The Door“ (1985)
(14) Can: „Tago Mago“ (1971)
(13) Nico: „Chelsea Girl“ (1968)
(12) Byrds: „Sweetheart Of The Rodeo“ (1968)
(11) Sender Freie Rakete: „Keine gute Frau“ (2005)
(10) Herbie Hancock: „Sextant“ (1973)
(9) Depeche Mode: „Violator“ (1990)
(8) Stevie Wonder: „Music Of My Mind“ (1972)
(7) Tim Hardin: „1“ (1966)
(6) Cpt. Kirk &.: „Reformhölle“ (1992)
(5) Chico Buarque: „Construção“ (1971)
(4) The Mothers of Invention: „Absolutely Free“ (1967)
(3) Soweto Kinch: „Conversations With The Unseen“ (2003)
(2) Syd Barrett: „The Madcap Laughs“ (1970)
(1) Fehlfarben: „Monarchie und Alltag“ (1980)

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„Ich will mich befreien, ich will mich be-he-freien! Ich will mich befreien, denn du brauchst nur dich selbst, deine Lügen die brauch ich nicht. Ich muss mich befreien, Gott weiß, ich will mich befreien.“ Das klingt irgendwie bekannt? Freddy Mercury schmachtete diese Zeilen vor dreiundzwanzig Jahren ins Mikrofon – auf englisch natürlich: I Want To Break Free. Im Hintergrund litt sich seine Band Queen nicht weniger leidenschaftlich durch ein bombastisches Rockstück. Und hier? Ein Klavier spielt ein sanftes pling-pling-pling-pling, dazu ein freundlicher Bass und ein elektronischer Rhythmus, zurückhaltend, fast weinerlich gesungene Worte. Was ist das?

Ich will mich befreien ist das Titelstück eines Minialbums des Kölner Duetts Wolke. Sie interpretieren darauf fünf sehr unterschiedliche Lieder aus sehr unterschiedlichen Richtungen. Da sind zu hören Stücke von Queen, den kalifornischen Rockern Guns n’ Roses, dem Soulpopsternchen Whitney Houston, von Daft Punk aus Frankreich und der Frankfurter Tanzkombo Snap.

Wolke, das sind Oliver Minck und Benedikt Filleböck. Ihre behutsam arrangierte Popmusik tragen sie mit Bass und Klavier vor, dazu singen sie, ein programmiertes Schlagzeug ploppt die Rhythmen. Der Name passt, bei Wolke klingt alles leicht. Zwei Alben haben sie bisher veröffentlicht, Sušenky (2005) und Möbelstück (2006), Sušenky ist tschechisch und heißt Süßigkeit, auch das passt.

Ein Xylophon gibt den Takt vor in Um die Welt rum, dazu werden ein paar Akkorde auf dem Bass geschrammelt, später klatscht es programmiert, jemand spielt Harmonium. Die französische Band Daft Punk schrieb das Original, Around The World. Viel zu übersetzen gab es in diesem Fall nicht, sie singen nur immer wieder „Um die Welt rum“, zweiundvierzig Mal. Es fällt auf, wie übertrieben lang die Originale sind. Around The World muss nicht sieben Minuten dauern, Wolke kommen mit drei Minuten aus.

Sweet Child O’ Mine kürzen sie von sechs auf viereinhalb Minuten und nennen es Mein süßes Kind. Das Gitarren-Gezeter des Guns n’ Roses Gitarristen Slash wurde vor einigen Jahren vom amerikanischen Magazin Guitar World unter die besten einhundert Gitarrensoli gewählt, das einleitende Gitarrenmuster galt den Lesern des britischen Magazins Total Guitar als das beste aller Zeiten. Es hilft alles nichts, Wolke ersetzen es durch ein gesäuseltes „Badada, Badada, Badada, Badada“.

Das flotteste Stück in der Sammlung ist Ich will mit jemandem tanzen, Whitney Houstons I Wanna Dance With Somebody. „Ooh, ich will mit jemandem tanzen, ooh, ich will mit jemandem die Hitze spüren. Mmh, ich will mit jemandem tanzen, aah, mit jemandem, der mich liebt.“ Köstlich.

Wolke nehmen das ernst, was sie machen, das ist sehr angenehm. Die Süßlichkeit und Leichtigkeit ihrer Lieder ist nicht ironisch. Auch die nachgespielten Stücke auf Ich will mich befreien leben nicht nur vom Kalauer. Die Übersetzungen sind – soweit es eben geht – lyrisch, den Pathos der Originale lassen sie meist weg. Nur bei In Ewigkeit, ihrer Version von Snaps The First, The Last, Eternity legt sich Oliver Minck mehr ins Zeug und brüllt die Texte mit rauchiger Stimme. Aber wie sollte er mit dem dick Aufgetragenen auch sonst umgehen? „Ganz egal, wo ihr herkommt, ich habe euch was zu erzählen. Und ich will, dass ihr mir zuhört, dass ihr mit mir geht. Macht euch keine Sorgen, gute Nachricht ist unterwegs. Und so wie alles anfing wird es auch zu Ende gehen.“ Das klingt im englischen Original sogar noch blöder.

Aber was hätten sie auch davon, sich nur lustig zu machen? Wenig. Denn wie oft kann man lachen, wenn eine Band wie die Original Deutschmacher eine sinnlose Übersetzung eines internationalen Hits nach dem anderen singt? Wenn sie You Keep Me Hanging On von den Supremes bzw. Kim Wilde mit „Du lässt mich hängen an“ übersetzen? „Setz mich frei, warum nicht Säugling? Geh aus meinem Leben, warum tust du’s nicht, Säugling? Weil du nicht wirklich liebst mich, du nur lässt mich hängen an!“ Nun, ja, einmal. Wenn überhaupt.

Die liebevollen Neubearbeitungen von Wolke kann man immer wieder hören.

Hören Sie hier „Ich will mich befreien“

„Ich will mich befreien“ von Wolke ist als CD erschienen bei Tapete Records

Wolke auf Tour:
18.04.07 Aachen (Raststätte)
19.04.07 Luxembourg (D:qliq)
20.04.07 Duisburg (Buschbrand)
21.04.07 Berlin (Maschinenhaus)
26.04.07 Köln (Studio 672: Unplugged bei Lagerfeuer deluxe)
27.04.07 Nürnberg (K4)
28.04.07 Karlsruhe (Nun Cafe)
17.05.07 Düsseldorf (Pretty Vacant)
18.05.07 Frankfurt (Das Bett)

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Yoko Ono: „Yes, I’m A Witch“ (Astralwerks/Virgin 2007)

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Dieses Mal zählt’s. Als vor fünf Jahren die alten Herren des deutschen Punk nach vieljährigem Hobbymusikerdasein wieder die Gitarren umschnallten, war noch nicht ganz sicher, wohin die Reise gehen sollte. Zurück in die Vergangenheit oder mitten hinein ins Hier und Jetzt? Ein Aufenthalt auf Dauer oder doch nur der Versuch, kurzfristig in Jugendzeiten versäumte Rendite einzuspielen, um das Rentnerdasein finanziell ein wenig abzufedern? Knietief im Dispo war die Mission überschrieben: ein augenzwinkernder Seitenhieb auf all die geschmäcklerischen Rückkehrversuche, von denen das Popgeschäft im Zeichen der eigenen Wiederkehr seit je wimmelt. Bis dahin war die Band Fehlfarben ein deutscher Punk-, wenn nicht Popmythos, der auf immer mit dem Jahre 1980 verbunden sein sollte. Ihr Revoluzzer-Monument Monarchie und Alltag bildete für viele ihrer damaligen Hörer, also die heutigen Mitt- und Endvierziger, die Tonspur ihrer Jugend. In den Texten von Peter Hein fand zusammen, was einmal zusammengehörte: bundesrepublikanische Alltagsbeobachtungen und jugendliches Rebellentum, Punk und Politik.

Fast mag das heute ein wenig anachronistisch anmuten, in Zeiten, in denen der Revoltenchic vergangener Tage längst zum Marktsegment verkommen ist und auf Privatsendern in Achtziger-Jahre-Mottoshows auch die Fehlfarben ihre 60 Sekunden Ruhm ernten dürfen –kommentiert von den einstigen Klassenfeinden. Geschichte wird gemacht – so oder so, auch wenn’s musikalisch längst nur noch an anderer Stelle vorangeht. Volle Kraft voraus, Viervierteltakt, Punkrock? War da was?

Vom Mythos der jugendlich ungestümen Rebellen sind die Fehlfarben heute so weit entfernt wie nur denkbar. Ihr Verdienst um die deutschsprachige Musik ist unbestritten. Trist ist allenfalls die Gegenwart: Ein paar ergraute Herren proben noch einmal den Aufstand und schwingen das Schwert der gesellschaftlichen Fundamentalkritik. Unerbittlich im Gestus, rückwärtsgewandt in den ästhetischen Mitteln. Neu, frisch und unverblümt klingt auf dem aktuellen Album Handbuch für die Welt wenig. Die, die sich Ende der Siebziger aufmachten, den Altherrenrock von der Bühne zu fegen, sind selbst zu einer Altherrenband geworden. „Ja, wir sind anders, anders geblieben“, grummelt Peter Hein im Eröffnungsstück des Albums, als gelte es, mit aller gebotenen Schärfe noch einmal den neuen, alten politischen Standort zu bestimmen. Nur: Die Zeiten haben sich gewandelt. So sehr die Fehlfarben in den Achtzigern in ihre Zeit passten und diese widerspiegelten, so weit sind sie heute von allen gesellschaftlichen und musikalischen Strömungen entfernt.

Wehe dem, der am eigenen Mythos kratzt. Zu jung zum Sterben und zu alt für den Punkrock: Es ist das Malheur aller zu früh Geborenen, die Helden waren, als sie das selbst noch nicht wussten. Ironischerweise gelingt den Fehlfarben des Jahres 2007 mit dem einzigen wirklich alten Stück, einer Coverversion der singenden GIs The Monks (We Do Wie Du), ihre zeitgenössischste Ausformulierung. Für einen Moment weicht alles Bedeutungsschwangere aus den Zeilen, aller bleierne Schwulst aus den Arrangements. „We do as you, we do, we do, wie du, wie du.“ Du, das heißt bei den Fehlfarben wohl „wir“, – Humor lugt durch die Zeilen. Nichts gibt’s umsonst: keinen Mythos und keine Wiederkehr. Der Rest ist Geschichte.

Hören Sie hier „Anders geblieben“

„Handbuch für die Welt“ von den Fehlfarben erscheint am 20. April bei V2 Records

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Wenn der schwedische Musiker Peter von Poehl deutsch spricht, hat er einen auffälligen österreichischen Akzent. Ob es daran liegt, dass er lange mit dem österreichischen Musiker Florian Horwath zusammengearbeitet hat? Gemeinsam werkelten sie in der Graefestraße in Berlin an Aufnahmen, Graefe Recordings nannten sie sie. Deutsch habe er aber von seinem Vater gelernt, erzählt der 33-jährige von Poehl. Seine Mutter ist Schwedin. In Schweden ist er aufgewachsen, von dort hat es ihn 1998 nach Frankreich verschlagen, dann vor zwei, drei Jahren nach Berlin, genauer Kreuzberg. Er arbeitete mit Bertrand Burgalat zusammen, begleitete den Autor Michel Houellebecq auf Tournee und produzierte das letzte Album des Königs der Nouvelle Chansons, Vincent Delerm.

Was hat ihn nun dazu gebracht, an eigenen Stücken zu arbeiten? „Um ehrlich zu sein: Ich musste diese Platte machen, ich hatte keine Wahl.“ Das Album Going To Where The Tea Trees Are ist zur Hälfte in Schweden und zur anderen Hälfte in Deutschland entstanden, Aufmerksamkeit wurde ihm zuerst in Frankreich zuteil. Beim Pariser Sender Radio Nova wurde seine erste Single Going To Where The Tea Trees Are zum Hit.

Wenn man in Schweden aufwächst, berichtet er, habe man nur zwei Möglichkeiten: „Entweder du spielst in einer Rockband oder Fußball. Ich war immer eher derjenige, der in der Rock- oder Garagenband gespielt hat. In meiner Heimatstadt Malmö bekamen wir den Proberaum von der Stadt gestellt. Wir haben monatlich sogar 50 Euro erhalten, um uns Instrumente zu kaufen. Natürlich haben wir davon eher Bier gekauft.“ Gibt es diese Förderung junger Bands noch immer? „Ich glaube nicht. Aber zu meiner Zeit waren auch die staatlichen Musikschulen für alle Kinder frei. Es ist ein Grund dafür, dass es so viele schwedische Bands gibt.“

Going To Where The Tea Trees Are erzähle vor allem von seiner komischen Beziehung zu seinem Heimatland. Man könnte auch sagen: von der Suche nach einer Heimat. „Schweden ist für mich einerseits bekannt, andererseits vollkommen fremd. Eine wirkliche Heimat habe ich noch immer nicht gefunden.“ In Berlin glaubte er anfangs, einen solchen Ort gefunden zu haben: „Berlin ist weit genug entfernt von Schweden, aber auch nicht zu sehr. Ich glaube, in Schweden gibt es pro Quadratkilometer zehn Menschen, in Paris eine Million. Und in Kreuzberg? In der Graefestraße, hatte ich das Gefühl, gibt es einen Graefe pro Quadratmeter. Das hat mir sehr gut gefallen.“

Mit subtilen Arrangements nimmt er die Hörer gefangen. Kindergitarre und Bläserensemble gehören für Peter von Poehl zusammen. Mit hauchzarter Stimme singt er zur akustischen Gitarre von der Sehnsucht nach einem Platz im Leben, vom Reisen und der Tooth Fairy, der Zahnfee. Saxofon und Tuba, Cello, Flöte, Klarinette und analoge Keyboards umspielen sich. Mit schwedischem Garagenrock hat das wenig zu tun.

Spricht durch die opulenten Hintergrundchöre ein Brian Wilson aus der schwedischen Tundra zu uns? Der Vergleich sei sehr schmeichelhaft und mache ihn stolz, sagt von Poehl, aber eigentlich seien seine Stücke weit mehr von schwedischen Weihnachtsliedern beeinflusst, als von den Beach Boys. „Als Kind habe ich im Schulchor gesungen. Die Arrangements kommen daher. Mich hat damals auch die Kapelle der Heilsarmee sehr beeindruckt. Deshalb verwende ich Bläser. Bei uns gab es in jedem Klassenzimmer ein Harmonium. Jeder Morgen begann mit Musik. Die Lehrerin setzte sich ans Harmonium und begann zu singen, wir stimmten ein.“

“Home is where my heart is”, singt er in A Broken Skeleton Key. Englische Texte, deutschsprachige Interviews, französisches Lebensgefühl und schwedische Erziehung: Irgendwo dazwischen liegt die Heimat des Peter von Poehl. Sein Album träumt ausgehend von den musikalischen Eindrücken seiner Kindheit vom Pop der Gegenwart. Seit Kurzem führe er das auch hin und wieder opulent live auf – „mit zehn Musikern, Bläsern und allem drum und dran“. In Paris trat er mit großer Besetzung unlängst sogar in der altehrwürdigen Cigale auf.

Hören Sie hier „A Broken Skeleton Key“

„Going To Where The Tea Trees Are“ von Peter von Poehl ist erschienen bei Herzog Records/Edel Contraire

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